L’exposition De l’incertitude qui vient des rêves vient de fermer ses portes à la galerie Alain Gutharc. L’occasion de revenir sur la pratique d’Estefania Peñafiel Loaiza qui poursuit son travail de détournement et de recouvrement des sons et des images avec l’intention d’interroger la perception. Cependant, dans ses travaux récents, cette préoccupation se double d’une autre, celle de l’altérité, et la rencontre de ces deux problématiques rend sa proposition plus puissante encore.
Une grande partie de ses dernières œuvres a été réalisée lors d’une résidence de l’artiste aux 3bisf. Cet espace dédié à l’art contemporain se situe dans l’un des bâtiments de l’hôpital psychiatrique de Montperrin à Aix-en-Provence, celui consacré à l’accueil de jour des femmes. Ces pièces ont toutes été montrées pour la première fois dans cet espace et chacune d’entre elles porte en elle l’histoire du lieu et des personnes qui y sont passées.
Ainsi, les polaroïds de la série intitulée détours procèdent d’une superposition de deux époques. L’artiste a choisi de mêler au sein d’un même tirage des photographies de différentes périodes durant lesquelles le bâtiment était en reconstruction, en 1950, en 1981 et en 2017. Les travailleurs de 2017 émergent dans le chantier ouvert dans les années 80 quand ceux qui œuvraient en 1950 se fondent dans le décor actuel. Les hommes se mélangent, passent comme des fantômes d’une image à l’autre. Ces anonymes apparaissent comme les figurants d’un lieu dont ils ne font que traverser l’histoire bien plus longue que la leur. Leurs présences effacées déroutent nos sens, nous invitent à regarder autrement cet espace. Les photographies ne sont plus datables mais témoignent de l’architecture d’un bâtiment réservé à l’enfermement, de tout temps.
La vidéo De l’incertitude qui vient des rêves a été tournée dans une des cellules où les femmes étaient enfermées. Un lieu chargé dans lequel subsistent les traces de sa fonction comme les marques dans le béton des anneaux qui servaient à attacher les lits au sol. Si ces éléments ne sont pas visibles dans le film qui se concentre sur un seul visage, les sons de ce lieu panacoustique transparaissent. Ils ajoutent une dimension dramatique à l’image, un plan resserré sur un œil qui ne cille pas et au sein duquel se reflète l’extrait terrifiant du film de Buñuel Un chien andalou. Ce jeu de reflets interroge notre vision. Devant la force des images, que regarde-t-on ? La personne en face de soi ou la fiction qui transparait dans son regard ? Ici, l’œil ne se ferme pas lorsqu’arrive la scène où le rasoir vient découper la rétine, mais, anticipant sur notre propre regard se détournant, l’image devient noire. Que peut-on vraiment regarder ? Notre rapport au monde n’est-il pas aussi fait d’ellipses ?
L’installation vidéo la loterie à Babylone participe de ce même questionnement. Déployées sur quatre écrans analogiques récupérés au 3bisf, les vidéos sont issues de deux films d’archives, l’une dans laquelle un médecin et un patient font une partie d’échec, l’autre dans laquelle ce sont deux patients qui s’essayent à ce jeu difficile. L’artiste a monté les extraits très courts des vidéos d’origine de façon à perpétuer le jeu indéfiniment. La finalité se perd, il n’y a plus ni gagnant ni perdant. Sans but les gestes répétés deviennent absurdes. Les films sont des boucles hésitantes, les mouvements saccadés se suspendent, traduisent une hésitation. Entre les images, se glissent par instant des intertitres où l’on peut déchiffrer des extraits de texte issu du film de Debord « In girum imus nocte et consumimur igni » qui interrogent la relation du public à l’image. Les deux vidéos se doublent de leurs images inversées. Il n’est plus possible de distinguer le vrai du faux comme le souligne encore le titre de l’installation emprunté au roman éponyme de Borges au sein duquel jeu et vie se confondent. Il est également impossible de discerner qui est le docteur et qui sont les malades, le plan resserré ne montrant que des mains. Les vidéos insistent sur cette question du double, la présentation en miroir annule la différence entre les deux scènes, entre leurs acteurs.
C’est aussi ce questionnement sur l’altérité qui est développé à travers les quatre écrans de la pièce je échecs. Sur chacun des écrans, l’artiste, filmée en gros plan, mâche un morceau de papier sur lequel l’un des mots de la célèbre formule « je est un autre » est inscrit. À la manière d’un aliéné, lentement, cette bouche avale ces mots pour finalement les régurgiter dans un ordre différent. Qui est le « je » ? Qui est « l’autre » ? Quelle est leur relation ? La différence s’épuise au fil des multiples déclinaisons. En reprenant le geste du « fou », l’artiste interroge notre perception de l’autre : sur quoi se fonde-t-elle ?
Une ambiance surréaliste se dégage de l’ensemble de ces pièces dans lesquelles transparait l’atmosphère de ce lieu et de ces habitants. L’interrogation sur la vision se transforme en questionnement sur le regard que nous portons sur l’autre et sa différence. L’artiste nous invite à faire un pas de côté pour regarder le monde, quitter nos certitudes pour laisser le réel advenir à la manière d’un rêve.
